( 그림 공부 ) 당신의 발전을 방해할 수 있는 유화에 대한 7가지 진실

 

Will Kemp 라는 화가가 쓴 글이 있어 옮긴다.

대단히 특별한 이야기는 아니지만 다시 한번 환기하는 마음에서..

(번역은 구글, 영어 원문은 맨 뒤에 )

Will Kemp Art School 싸이트에 가면 많은 그림 자료를 볼 수 있다.

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스튜디오로 돌아와, 무릎까지 푹 파묻힌 유화 시리즈를 그려내고 있습니다.
유화의 놀라운 유연성을 활용하는 작업이 정말 즐겁습니다. 물감을 이리저리 밀고,

두껍게 덧칠하고, 오랜 작업 시간과 부드럽고 은은한 스모키한 색감을 즐길 수 있습니다.
하지만.
노련한 유화 화가라도 붓을 정리하고, 물감을 고르고, 재료를 결정할 때면 냉혹한 현실에

부딪힙니다. 준비 부족, 몇 가지 나쁜 습관, 그리고 장밋빛 기대는 노력과 열정을 쉽게

좌절시킬 수 있습니다.

유화에 대한 7가지 진실을 소개합니다. 만약 이러한 진실에 부딪히더라도, 

좌절하지 않고 미소 지으며 마음을 추스르세요.
1. 지저분해지고, 물감을 떨어뜨리고, 생각지도 못한 곳에 유화 물감이 묻을 수 있습니다.
제 경험에 따르면 아무리 조심해도 유화 물감이 손과 붓 손잡이, 그리고 머리까지 

묻을 수 있습니다!
고무 장갑을 착용하면 청소 과정이 더 수월해질 수 있으며, 앞치마나 헌 셔츠를 착용하는

것을 추천합니다. 어딘가에서 가져올 수 있다는 것을 알고 그에 대비해야 합니다.
또한, 그 공간에서는 음식이나 음료를 섭취하지 않도록 주의하세요.

유화 물감이 예상치 못한 곳에 묻을 수 있기 때문입니다. 따라서 전용 공간이 많을수록 좋습니다.

2. 다양한 유화 물감과 다양한 기법에 맞는 다양한 붓에 압도될 것입니다.

 

미술 잡지를 펼칠 때마다 제조사에서 새 물감을 내놓는 것 같아요.
"이게 내가 놓친 색인가?"
하지만 솔직히, 색 배합을 단순하게 유지할수록 더 좋습니다.

몇 가지 핵심 색상과 어두운 흙빛 계열의 색상으로 시작하세요.

어두운 색상은 밑그림을 그리거나 색채의 강렬함을 낮추는 데 좋습니다.

색상만 잘 선택하면 두세 가지 색상만으로도 엄청난 양의 그림을 그릴 수 있습니다.

최근 붓에 대해 좀 충격을 받았어요. 내 붓을 살펴보니 수백 개가 있더라고요. 

그런데 자세히 보니 같은 붓을 두세 가지씩 계속 사고 있더라고요. 

알고 보니 제가 계속 손이 가는 건 바로 그 붓들이었더라고요.
유화와 아크릴 물감의 가장 큰 차이점은 필요한 붓의 개수입니다. 아크릴 물감은 붓 하나만

사용하고 물로 헹군 후 다음 단계로 넘어가는 경우가 많습니다.

하지만 유화의 경우, 특히 용제를 많이 사용하고 싶지 않다면 여분의 붓을 준비해 두는

것이 훨씬 쉽습니다.
어두운 색, 중간색, 밝은 색 각각에 붓을 몇 개씩 따로 준비해 두세요.
이렇게 하면 붓을 자주 닦을 필요가 없고, 붓 오염으로 인해 색이 탁해질 위험도 줄어듭니다.

그림을 깨끗하게 유지하고 작업 과정을 원활하게 유지하는 가장 쉬운 방법 중 하나입니다.

3. 돈을 아끼려고 물감을 너무 적게 쓰게 됩니다. 이는 잘못된 절약입니다.

 

유화 물감은 한 방울 짜내면 며칠, 심지어 몇 주 동안 지속됩니다. 

따라서 필요할 것 같은 양보다 더 많이 짜내고 충분히 섞어도 괜찮습니다. 

아크릴 물감처럼 마르면 없어지는 것처럼 낭비되는 일이 없습니다.
유화 물감을 처음 시작할 때는 학생용 흰색 물감을 사용하는 것이 좋습니다.

윈저앤뉴튼(Winsor & Newton)의 윈턴 티타늄 화이트(Winton Titanium White) 같은 제품이

가성비가 좋습니다.
아크릴 물감과는 달리, 유화 물감은 아티스트용 흰색 물감의 중요성이 그다지 높지 않습니다.
유화 물감의 경우, 기존 물감 위에 선명한 색상을 입히려면 보통 두껍게 칠하고 붓 자국은

그대로 두어야 하기 때문입니다.

아크릴 물감은 정반대입니다. 물감이 고품질이고 불투명하다면 얇게 바르더라도 

충분히 칠할 수 있습니다. 따라서 아크릴 물감의 경우, 가능한 한 최고의 아티스트용 흰색 물감을 

사용하는 것을 권장합니다(저는 골든 브랜드 티타늄 화이트를 좋아합니다).

하지만 유화의 경우, 좋은 학생용 흰색 물감만으로도 충분하고, 물감을 더 아낌없이 쓰도록

유도하여 배우는 데 큰 도움이 됩니다.

4. 박물관에 있는 예술가와 자신을 비교하게 될 것입니다. 

지난 400년 동안 최고의 예술가 중 한 명이라도, 11살 때부터 수련을 받고 매일 그림을 그리는 

그들의 최고의 작품들과 비교하게 될 것입니다.
자신에게 휴식을 주세요.
오늘 엉터리 그림 백 점을 찍어보자는 아이디어에 대한 글을 읽었습니다.

아마 어떤 영화 감독이 엉터리 영화 백 점을 찍어보라는 말을 한 것 같습니다.

그런 사고방식으로 그림을 그리면 자신의 작품이 너무 비싸지지 않고, 부담감도 덜하다는 것입니다.
그림을 처음 시작할 때는 멋진 그림 한 점만 그리면 된다고 생각하기 쉽습니다.

하지만 보통은 그렇지 않습니다. 꽤 괜찮은 그림일 수도 있지만, 진정한 발전은 다른 사람의

작품과 비교하는 것을 멈추고 자신의 작품과 비교하기 시작할 때 찾아옵니다.
물론 다른 사람에게서 영감을 얻는 것도 좋지만, 이상적으로는 3개월 전에 그린 그림을

돌아보며 "그때 내가 이 그림을 훌륭하다고 생각했던 게 믿기지 않아"라고 생각할 수 있어야

합니다. 그렇게 하면 자신이 발전하고 있다는 것을 알 수 있습니다.
자신의 기준점이 되어가는 것입니다.
갤러리나 전시에 가면 보는 작품이 수많은 맥락에 둘러싸여 있다는 사실도 기억해야 합니다.
박물관이라는 공간의 웅장함, 작가의 역사, 심지어 그 그림을 본 적이 있다는 사실까지,

이 모든 것이 작품의 임팩트를 더합니다.

발터 벤야민은 1935년 에세이 "기술 복제 시대의 예술 작품"에서 "아우라"라는 개념을

제시했습니다. 이는 작품의 고유한 역사, 위치, 그리고 단일한 존재에서 비롯되는 독창적인

존재감과 진정성을 의미합니다.
벤야민은 작품의 아우라가 "지금 여기"와 연결되어 있다고 주장했습니다.

당신의 그림이 TV나 갤러리에 전시된다고 상상해 보세요. 전시 방식만으로도 느낌이 완전히 달라질 거예요.

 

5. 30시간 분량의 유튜브 영상보다 30분 동안 이젤에서 더 많은 것을 배울 수 있습니다.
요즘처럼 콘텐츠가 넘쳐나는 시대에는 영상 하나만 더 보거나 뭔가 하나만 더 배우면 

드디어 그림을 시작할 준비가 됐다는 생각에 빠지기 쉽습니다. 

하지만 이는 종종 또 다른 형태의 미루기일 뿐입니다.
사실, 가장 간단한 소재, 붓 하나, 유화 물감 하나만 선택한다면, 며칠 동안 영상을

보는 것보다 한 시간 동안 실제로 그림을 그리면서 훨씬 더 많은 것을 배울 수 있습니다.

그 과정에서 잘못된 부분과 잘된 부분을 모두 경험하면 예상보다 훨씬 더 많은 것을 배울 수 있습니다.
유화 물감은 물감이 계속 마르지 않기 때문에 이러한 작업에 적합합니다.

계속해서 물감을 조절하고, 경계를 부드럽게 하고, 색을 겹겹이 칠하고,

물감의 움직임을 탐구할 수 있습니다. 어떤 붓이 자신에게 맞는지, 어떤 재료를 사용하는 것이

즐거운지, 어떤 색이 자연스럽게 어울리는지, 심지어 무엇이 답답한지까지 알게 될 것입니다.
이 모든 것은 오직 직접 해보는 것에서 비롯됩니다. 그림을 그리는 행위는 최고의 스승입니다.
완벽하지 않다고 느껴지더라도 단 한 시간 만에 얼마나 많은 것을 해낼 수 있는지 놀라게 될 것입니다.

직접 해보는 시간은 "준비"될 때까지 기다리는 것보다 훨씬 더 많은 기술과 자신감을 키워줍니다.

6. 같은 그림 속에서도 흥분과 깊은 우울을 동시에 느낄 수 있습니다.
그림을 그리는 것은 정말 롤러코스터와 같습니다. 처음 구도를 잡거나 스케치를 시작할 때, 

흥분이 밀려옵니다. '이 그림이 바로 그 그림일 수도 있겠다!'라는 생각이 듭니다. 

이 그림은 정말 잘 나올지도 몰라요! 그리고 그 초기 에너지는 정말 큰 힘이 됩니다.
하지만 그림이 발전하기 시작하면 의심이 스며드는 경우가 많습니다.
제대로 된 주제를 선택했는지, 색이 잘 나오는지, 왜 물감이 예상대로 잘 나오지 않는지

궁금해지기 시작할 수도 있습니다. 스스로에게 의문을 품기 시작합니다.

그때 에너지가 떨어지고 "이건 말도 안 돼. 내가 왜 이런 걸 하고 있는 거지?"라는 생각에 빠지기 쉽습니다.
그러다 보면, 종종 뜬금없이 당신을 놀라게 하는 작은 부분을 그리게 됩니다.

생각보다 훨씬 멋진 결과물이 나오죠. 그 작은 성취는 계속 나아갈 용기를 줄 수 있습니다.
그래서 규칙적인 휴식을 취하는 것이 매우 유용합니다.
이젤에서 물러나세요.
그림을 가늘게 뜨고 보세요.
새로운 시각으로 바라보세요.
이렇게 관점을 재정립하면 감정이 완전히 바뀌고 더 명확한 결정을 내리는 데 도움이 됩니다.

그리고 마법은 종종 마지막 순간에 일어납니다. 마지막 하이라이트, 더 선명한 모서리,

또는 약간의 대비 등 작은 마무리 작업이 작품 전체를 바꿀 수 있습니다.
따라서 중요한 것은 꾸준히 작업하고, 기복을 헤쳐나가며, 각 단계가 과정의 일부라는 것을

믿는 것입니다. 계속 나아가세요.

7. 당신은 과정을 판단하고, 의문을 품고, 도전하고, 반항하게 될 것입니다.
튜토리얼을 따라 하거나 새로운 기법을 시도할 때, 특히 누군가가 이미 효과적인 과정을 

제시했다면, 자신이 더 잘 알고 있다고 생각하기 쉽습니다. 

처음 그림을 그리기 시작했을 때, 특정한 결과를 얻기 위해 누군가의 그림을 따라 그렸더라도, 

여전히 그림의 단계에 의문을 품기 시작했습니다. 

"이건 안 돼." 또는 "왜 이렇게 그리는 거지?"라는 생각이 들었죠.
예를 들어, 처음으로 색이 있는 배경에 그림을 그린다면, 무의미하게 느껴질 수 있습니다.

왜 그냥 흰색 바탕에 그리지 않는지 의아해할 수도 있습니다.

또는 먼저 네거티브 공간에서 작업하여 포지티브 형태를 드러내라고 하면,

매우 반직관적으로 느껴질 수 있습니다. (자전거 네거티브를 그리는 이 튜토리얼이 좋은 예입니다.)
하지만 이러한 기법들은 한번 익혀두면 훨씬 더 이해가 잘 되는 경우가 많습니다.
마치 레시피를 따라 하는 것과 같습니다. 사람들은 두 부류로 나뉘는 경향이 있다고 생각합니다.
한 부류는 모든 것을 정확하게 재면서 설명서를 꼼꼼히 따릅니다.

다른 부류는 즉흥적으로 이것저것 조금씩 더하면서 모든 것이 잘 되기를 바랍니다.

두 부류 모두 완벽한 결과를 얻을 수는 있지만, 결과는 다를 수 있습니다.
처음 배울 때는 첫 번째 그룹에 속해 있는 것이 정말 도움이 됩니다. 단계별로 따라 해 보세요.

아직 완벽하게 이해가 되지 않더라도 설명된 전체 과정을 따라 해 보세요.

이렇게 하면 이러한 기법들이 실제로 어떻게 작용하는지 경험하게 되고,

나중에 자신의 스타일에 맞게 적용할 수 있는 기반을 쌓을 수 있습니다.
도움이 되길 바랍니다. 즐거운 창작 주말 보내세요.

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I’m back in the studio, knee deep in a series of oil paintings.

And I’m really enjoying working with the fantastic malleability of oil paint. You can push it around, layer it thickly, and enjoy a long working time and soft, smoky blends.

But.

Even as a seasoned oil painter, when I’m sorting out my brushes, choosing paints and deciding on mediums, the sharp reality hits. Lack of preparation, a few poor habits, and rose-tinted expectations could easily counteract your efforts and enthusiasm.

Here are 7 Oil Painting Truths, so if you encounter any of them, you can smile and dust yourself down instead of letting them derail you.

1. You will get messy, drop paint, and get oil paint in areas you never realised you could.

I’ve found that no matter how careful you are, you will undoubtedly get oil paint on your hands, your brush handle and then get it on your top!

Wearing rubber gloves can improve your clean-up process, and I’d advise wearing an apron or an old shirt. Knowing that you will get it somewhere and being prepared for that.

Also, make sure not to eat or drink in that area, just because the oil paint will turn up where you least expect it. So the more dedicated space you have, the better.

2. You will get overwhelmed by the range of oil colours and different brushes for different techniques.

Every time I open an art magazine, there seems to be another new paint from a manufacturer.

 “Is this the colour I’ve been missing?”

But honestly, the simpler you keep your colour mixing, the better. Just start with a few key colours and maybe a couple of dark earth tones. Those darker colours are great for underpainting or dropping the chromatic intensity. If you choose them well, you can do a huge number of paintings with just two or three colours.

I recently had a bit of a shock when it comes to brushes. I looked through mine and realised I had hundreds. But when I actually paid attention, I noticed I’d been buying the same two or three types over and over again. It turns out those are the ones I keep reaching for.

With oil paint, the biggest difference compared to acrylics is how many brushes you need. With acrylics, you can often get away with using one brush, rinsing it in water, and moving on. But with oils, especially if you want to avoid using lots of solvents, it’s much easier to just have extra brushes ready to go.

You should set aside a few for your darks, a few for your mids, and a few for your lights.

That way, you’re not constantly cleaning, and you reduce the risk of muddy colours from brush contamination. It’s one of the easiest ways to keep your painting clean and your process flowing.

3. You will try to put out too little paint to save money – this is a false economy

With oils, you can squeeze out a blob of paint, and it will last for days, sometimes even weeks. So don’t be afraid to put out more than you think you’ll need and mix more generously. It won’t go to waste like acrylics, where once it dries, it’s gone.

When you’re just starting out, using a student grade white can be a really smart move. Something like Winsor & Newton Winton Titanium White is great value. 

In this case, unlike acrylics, artist-quality white isn’t as important.

That’s because with oils, to get a clean colour application on top of your existing wet colours,  you usually need to paint thicker and then leave the brushstroke alone.

With acrylics, the opposite is true. You can use thinner layers and still get solid coverage, as long as the paint is high quality and opaque. So with acrylics, I’d always recommend getting the best artist-grade white you can (I like

Golden Brand Titanium white). But with oils, a good student white will do the job and actually encourages you to be more generous with your paint, which really helps when you’re learning.

4. You will compare yourself to an artist in a museum. Even one of the best over the last 400 years, against their best work, trained since 11 and drawn every day

Give yourself a break.

I was reading something today about the idea of making a hundred bad paintings. I think it originally came from a film director who said you should make a hundred bad movies. The idea is that if you approach painting with that mindset, you won’t get so precious, and it takes the pressure off.

When you’re starting out, it’s easy to think you’re going to make one incredible painting and that will be it. But usually, that’s not how it works. It might be pretty good, but the real progress comes when you stop comparing your work to other people’s and start comparing it to your own.

Take inspiration from others, of course, but ideally, you want to be able to look back at a painting you did three months ago and think, “I can’t believe I thought that was good at the time.” That’s how you know you’re improving.

You’re becoming your own reference point.

It’s also worth remembering that when you go to a gallery or an exhibition, the work you see is surrounded by so much extra context.

There’s the grandeur of the museum space, the history of the artist, and even the fact that you may have seen the image before, all of which add to its impact. In his 1935 Essay, “The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction,” Walter Benjamin introduced the concept of “aura,” the unique presence and authenticity of an original artwork that stems from its particular history, location, and singular existence.

Benjamin argued that an artwork’s aura is tied to its “here and now”. Imagine your painting being shown on television or displayed in a gallery. It would feel different, too, simply because of the way it’s presented.

 

5. You will learn more at the easel in 30 minutes than you will from 30 hrs of YouTube videos

It’s so easy, especially with all the content available these days, to fall into the trap of thinking that if you just watch one more video or learn one more thing, then you’ll finally be ready to start painting. But often, that just becomes another form of procrastination.

The truth is, if you pick the simplest subject, one brush, and one tube of oil paint, you will learn so much more by actually painting for an hour than by watching videos for days. Everything that goes wrong and everything that goes right in that session will teach you far more than you expect.

Oils are great for this because the paint stays wet the whole time. You can keep adjusting, softening edges, layering colours, and really exploring how it moves. You’ll learn what kind of brush feels right, how much medium you enjoy using, what colours you naturally reach for, and even what frustrates you.

All of that only comes from doing. The act of painting is the best teacher.

You’ll be surprised at how much you can accomplish in just one hour, even if it doesn’t feel perfect. That hands-on time builds your skills and confidence far more than waiting to feel “ready.”

6. You will feel exhilarated, then deeply depressed, all within the same painting

Painting can really feel like a rollercoaster. When you first start blocking in or sketching out the composition, there’s a rush of excitement. You feel like this could be the one. This painting might turn out amazingly well! And that initial energy is such a great boost.

But as the painting starts to develop, doubts often creep in.

You might start to wonder if you chose the right subject, if your colours are working, or why the paint isn’t handling the way you expected. You start questioning yourself. That’s when the energy can drop, and it’s easy to hit a low point where you think, “This is rubbish, why am I even doing this?”

Then, often out of nowhere, you’ll paint one little section that surprises you. It turns out better than you thought it would. That small win can give you just enough encouragement to keep going.

That’s why taking regular breaks is so helpful.

Step back from the easel.

Squint down at the painting.

Look at it with fresh eyes.

That reset in perspective can really shift how you feel and help you make decisions more clearly. And often, it’s in those final moments that the magic happens. The last highlight, a sharper edge, or a touch of contrast, those small finishing touches can transform the whole piece.

So, the key is to stay with it, ride the ups and downs, and trust that each stage is part of the process. Keep going.

7. You will judge, question, challenge and rebel against the process

When you’re following a tutorial or trying out a new technique, especially if someone has already laid out a process that works, it’s really tempting to think you know better. I found that when I was first starting to paint, even if I was following someone to get specific results, I would still start questioning the steps. I’d think, “This can’t work,” or “Why am I doing it this way?”

For example, if you’re painting on a coloured ground for the first time, it might feel pointless. You might wonder why you’re not just starting on white. Or if you’re asked to work from the negative space first to reveal the positive forms, that can feel really counterintuitive. (this tutorial of drawing the negative of a bike is a good example)

But these techniques often make a lot more sense once you’ve seen them through.

It’s a bit like following a recipe. I think people tend to fall into two camps.

One group follows the instructions closely, measuring everything precisely. The other group wings it, adding a bit of this or that and hoping it all comes together. Both can end up with a cake, but the results can vary.

When you’re first learning, it really helps to be in that first group. Just follow the steps. Try the full process as it’s laid out, even if it doesn’t make perfect sense yet. That way, you get to experience how these techniques work in practice, and you’ll start to build a foundation you can later adapt to suit your own style.

For students wanting to make the leap from acrylics to Oils, many of the techniques throughout the teaching on the site stem from my training in classical oil painting. So if you’ve been working through the tutorials, you’ve been developing oil painting skills by stealth!

Hope this helps, have a great creative weekend.