( 그림공부 ) 9 Tips for Better Designs

Plein air watercolor artist Dale Laitinen

Dale Laitinen 이란 화가의 글을 옮긴다.( 번역은 그냥 구글 번역을 그대로 ..좀 어색한 부분이 있기는 하지만 )

결국 이 글에서 얻는 팁은 " 크게 단순화 시키며 디테일은 나중에 그리고  대비 효과를 잘 사용하라고 "  

 

1. 피사체에서 식별할 수 있는 가장 큰 모양을 사용하여 그림에 구조를 추가합니다. 풍경 속의 사물에서 서로 관련된 

평평한 모양으로 마음을 바꾸십시오. 나는 그것을 형태 변화라고 부릅니다. 모양을 사용하여 규모, 방향 및 초점을 

맞출 수도 있습니다.
2. 네거티브 모양을 사용하여 포지티브 모양을 제자리에 고정합니다. 포지티브 모양은 피사체이고 네거티브 모양은

주변 공간입니다. 예를 들어, 나무 줄기와 가지가 포지티브 형태이고 피사체 주변의 빈 공간이 네거티브 형태입니다.
3. 수평, 대각선, 수직을 사용하여 보는 사람의 시선을 유도하세요. "Sun-Washed Slopes"에서는 눈밭의 각도를

사용하여 시선을 해안선으로 향하게 하고 수평을 사용하여 고요한 호수를 표현했습니다.

주제 때문에 카테고리는 그다지 중요하지 않았습니다.
4. 예술의 기본 요소인 선, 모양, 명도, 색상, 질감의 조합을 사용하여 관객을 위한 통로를 만들 수도 있습니다.

시선을 유도하고 구성을 통일하는 데 사용하세요. 우주의 모든 것은 다른 모든 것과 연결되어 있습니다.

예술도 마찬가지다.
5. 대비를 사용하여 빛과 그림자를 표현합니다. 수채화의 경우 밝은 색 위에 어두운 색을 그리는 것을 의미합니다.

예를 들어, 바위를 칠하려면 먼저 밝은 색상을 도입한 다음 더 어두운 그림자를 추가합니다.

어두운 값을 칠할 때 실제로 바위에 닿는 빛을 드러냅니다. 그림자를 추가하면 바위 모양이 완성됩니다.

강한 대비는 강한 결과를 가져옵니다.
6. 가능한 한 크고 넓은 브러시를 사용하십시오. 나는 3인치, 2인치, 1 1/2인치, 1인치를 사용하여 세탁물을

신선하게 유지하고 분주한 붓놀림이 없도록 합니다. 페인팅이 진행됨에 따라 모양이 덜 일반화되고

사용하는 브러시도 작아집니다.
7. 더 세밀하거나 복잡한 모양을 만들려면 둥근 브러시를 사용하세요. 대형 플랫 브러시 핸들링으로 자신감을

얻으면 더 작은 라운드에 덜 의존해야 합니다. 결과적으로 수채화는 더욱 단순하고 신선해집니다.
8. "적을수록 좋다"는 말은 지나치게 세밀한 예술 작품을 겨냥하여 자주 사용되는 표현입니다.

가장 먼저 보이는 것이 가장 나중에 그려져야 합니다. 예를 들어, 나무 그룹을 묘사할 때 일반적인 밑 모양을

먼저 칠한 다음 표면의 세부 사항을 작업합니다. 이렇게 하면 기본 워싱이 더 작은 모양과 궁극적으로

세부 사항을 지원합니다.
9. 그림자와 대기 조건은 시간에 따라 변합니다. 하루 종일 같은 그림을 그리는 것을 삼가세요.

날씨와 빛의 변화에 따라 그림의 원래 의도가 사라질 수 있습니다. 특정 지점에서 멈추는 것이 가장 좋습니다.

언제든지 스튜디오에서 마무리할 수 있어요. 새로운 작업을 시작하는 것이 더 생산적이며 주제에 대한

새로운 관점을 제공합니다.

 

 

 

When painting with watercolor en plein air, follow Dale Laitinen‘s advice for the best shapes, angles, and experience:

1. Use the largest shapes you can identify in your subject to add structure to the painting. Shift your mind from the objects in the landscape to flat shapes that relate to each other; I call it shape-shifting. Shapes can also be used to create scale, direction, and focal interest.

2. Use negative shapes to hold positive shapes in place. The positive shape is your subject, the negative shape is the space around it. For instance, a tree trunk and limbs are positive shapes, and the empty space around the subject is the negative shape.

3. Direct the viewer by using horizontals, diagonals, and verticals. In “Sun-Washed Slopes,” I used the angles of the snowfield to direct the eye to the shoreline, and horizontals for the placid lake. Due to the subject matter, verticals didn’t come into play much.

4. Pathways can also be made for viewers using combinations of the basic elements of art — line, shape, value, color, and texture. Use them to direct the eye and unify the composition. Everything in the universe is connected to everything else. The same goes for art.

5. Use contrast to depict light and shadow. For watercolor, that means painting dark over light. To paint a boulder, for example, introduce lighter washes first then add darker shadows. In painting the dark values, you actually reveal the light hitting the boulder. Add a cast shadow and the likeness of the rock is complete. Strong contrast leads to a strong result.

6. Use large, wide brushes as long as possible. I employ 3-inch, 2-inch, 1 1/2-inch, and 1-inch to keep my washes fresh and free of busy brushstrokes. As the painting progresses, the shapes become less general and the brushes I use become smaller.

7. Turn to round brushes for more detailed or intricate shapes. Building confidence with large flat brush handling means you’ll need to rely less on the smaller rounds. As a result, your watercolor will be simpler and fresher.

8. “Less is more” is an oft-spoken observation, aimed pointedly at an overly detailed artwork. What you see first should be the last to be painted. For example, when portraying a group of trees, paint the general under-shapes first, then work to the surface details. That way your underlying washes support the smaller shapes, and ultimately the details.

9. Shadows and atmospheric conditions change with time. Refrain from working all day on the same painting. As weather and the light change, the original intent of your painting may get lost. It’s best to stop at a certain point; you can always finish in the studio. Beginning a new work is more productive, and allows you a new perspective on the subject.