( 좋아하는 화가 ) Jane Hunt 의 감성적인 그림들

Jane Hunt, “May Poppies,” oil, plein air, 11 x 14 in.

 

아마추어 화가로서 사실 조금은 시건방진 이야기가 되겠지만 그림을 그리면서

사진과는 다르게 뭔가 그림에서

감성이 있는 표현을 해보고 싶다는 생각을 많이 하고 있지만 그게 마음대로

되지도 않고 그냥 앞에 보이는 대상을 묘사하는데 급급해하는 아쉬움을 항상 가지고 있다.

그림에서 뭔가 분위기가 있는 그림을 그리는 동호인들을 보면서 그림이란 과연 어떻게

그려야하나 이런 저런 생각이 많이 들곤 한다.

구독하는 그림잡지 메일에 소개된 이 Jane Hunt라는 화가의 그림은

솔직히 내 취향은 아니지만 묘사보다는

색상과 그림 톤으로 분위기를 내는 그림에 대한 작가의 이야기가 있어 참고삼아 여기 옮긴다.

( 번역은 아직은 덜컹거리는 구글 번역을 사용한다.

원문은 마지막에 캡쳐해 놓았음 )

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나는 그림의 감정적인 측면에 관심이 많으며, 삶에서 자연을 그리는 plein air는 색상, 

분위기 및 반응에 관한 것입니다.”라고 미국에서 12번째로 상을 많이 받은 

풍경 예술가인 Jane Hunt가 말했습니다.

Jane Hunt, “Ablaze,” oil, 30 x 24 in.

 

 

원래 영국 출신인 Jane은 현재 콜로라도에 거주하고 있습니다. 

그녀는 10대 때 미국으로 건너가 오하이오주 클리블랜드에 있는 클리블랜드 

미술대학에서 일러스트레이션 학사 학위를 받았습니다. 

그녀는 의학 일러스트레이션을 공부하기 시작했지만 처음으로 시체를 다루면서 

자신이 너무 예민해서 그렇게 할 수 없다는 것을 깨달았습니다.
그 후 그녀는 일러스트레이션으로 전환했지만 마음 속으로는 항상

예술가가 되고 싶었습니다.

그녀의 그림은 이를 증명한다. 그녀는 일러스트레이션 공부가 드로잉, 구성,

색조 및 색상 값 연구 등의 기초에 있어 탄탄한 기초를 제공했다고 믿습니다.

Jane Hunt, “Resolute,” Studio, 24 x 18 in.

 

유화에 대한 그녀의 열정은 crystaline(수정체) 방식으로 다시 표면화되었습니다.
수정체를 통해서  폭풍우가 치는 바다를 비추는 우울한 하늘의 빛을 엿볼 수 있는 것처럼

( 이 부분은 구글번역으로는 의미가 정확하게 잘 전달되지는 않는다

대충 감은 오는데 어떻게 정확하게 한글 번역을 해야할지 ....)

볼 줄 아는 사람의 눈을 무관심하게 만들지 않는 바다 풍경. 너무나 강렬해서 그녀는 자연과의

소중한 연결을 추구하게 되었습니다.
그녀는 아들 곁에 있기 위해 오랫동안 머물렀던 병원 창문에서 작은 스케치를 만들어 이를

수행했습니다. 그 순간의 어려움, 자연과의 조화를 회복하고 영혼의 평화를 추구해야

하는 필요성으로 인해 그녀는 처음에 헌신했던 구상 미술을 감성적인 풍경화로

대체하게 되었습니다.

 

Jane의 작품은 그녀가 묘사하는 장면뿐만 아니라 구성 요소의 리듬을 따르는 

붓놀림과 팔레트 나이프를 사용하여 자신이 각인한 감정을 전달하는 힘 때문에 

시적인 느낌을 줍니다. 질감을 만들고 그녀가 원하는 방향으로 작업을 향상시킵니다.
기술적 관점에서 작가는 드로잉의 역할과 색조 값이 근본적으로 중요하다고

생각합니다. 그녀의 구성 선택은 멀리 있는 집에 의해서만 인간의 존재가 암시될 수

있는 풍경을 간단히 엿보는 데 중점을 둡니다.
하늘을 정의하는 데 있어서 그녀는 복잡한 감정 선택 시스템을 가지고 있습니다.

작가는 “하늘과 풍경이 첫 번째 연결점이라고 생각한다”고 말했다.
그녀의 광대한 풍경과 무한한 하늘은 관객이 자신을 잃었다가 다시 찾게 만드는 데

필요한 모든 드라마로 가득 차 있으며, 관객은 그녀의 그림을 보면서 내적 평화의

상태를 향한 서술자의 확신에 찬 인도를 감지합니다.

Jane Hunt, “Cespuglio innevato,” oil, 8 x 8 in.

 

Jane의 과정은 J.M.W. Turner가 행한 숭고함을 추구하는 것과 동일합니다.

터너(1775-1851)는 클로드 모네(1840-1926)와 함께 그녀에게 일종의 영적 안내자였다.
런던에서 살면서 자랐으며 Tate Britain의 Turner 전용 건물을 자주 방문합니다.

프랑스 지베르니에 있는 모네의 정원에서 자신을 잃어버릴 정도로 광범위하게

여행한 것은 그녀에게 '지켜야할 어떤 규율'을 따르기보다 오히려 표현하고 싶은

감정을 따르고 싶은 욕망을 불러일으킨 요인 중 일부에 불과했습니다.

Jane Hunt, “Last Light,” plein air, 8 x 10 in

 

그녀의 예술 제작 방식은 자신의 감정의 흐름을 따르며, 이를 야외에서 만든 작은 

준비 스케치(때로는 3 x 2인치)에 "고정"하고 4가지(때로는 2가지) 색조 값을 

유지하면서 형태 차단을 진행합니다. .
그녀의 다층적인 붓놀림은 자연 요소의 리듬을 따르며, 팔레트 나이프로 퍼지는

질감은 그림에 입체감을 더해줍니다.
외광 페인팅에 전념하는 동안 작가는 종종 스튜디오에서 작업하여

외광에서 만든 스케치를 다듬거나 재작업하며 때로는 단순히 마무리하고

때로는 확대된 세부 사항이나 장면 프레임을 재현하고 때로는 구성을 완전히 재작업합니다.

Jane Hunt, “Lavender Farm,” Oil on Gessoboard, 10 x 16 in.

 

이 화가의 홈페이지에서 그림 몇 점 더 옮긴다.

 

“I am very interested in the emotional aspect of paintings, and plein air – painting nature from life – is about colors, moods, and their reactions,” said Jane Hunt, the 12th most awarded landscape artist in the United States.

Originally from England, Jane currently lives in Colorado. She moved to the U.S. when she was a teenager and earned a bachelor’s degree in illustration from the Cleveland Institute of Art in Cleveland, Ohio. She began studying medical illustration, but when she found herself, for the first time, working with a cadaver, she realized she was too sensitive to do so.

She then switched to illustration but, in her heart, she always wanted to be an artist. Her paintings prove this. She says she believes studying illustration gave her a solid foundation in the fundamentals of drawing, composition, and the study of tonal and color values, among others.

Her passion for oil painting resurfaced in a crystalline way.

 

Crystalline, like a glimpse of light in the gloomy sky illuminating a stormy sea. A seascape that does not leave indifferent the eyes of those who know how to look. A glimpse so strong that it drove her to seek the precious connection with nature.

 

She did this by making small sketches from the hospital window where for a long time she stayed to be near her son. The difficulty of the moment, the need to re-establish harmony with nature and the search for peace of soul, caused the figurative art, to which she had initially dedicated herself, to be set aside in favor of emotional landscape painting.

Jane’s works are charged with poetry not only because of the scenes she portrays but also because of the force with which she conveys the emotions she imprints, both with brushstrokes – which follow the cadenced rhythms of the compositional elements – and with the palette knife, to create textures and elevate the work in the direction she desires.

 

From a technical point of view, the artist considers the role played by drawing and tonal values to be of fundamental importance. Her compositional choices focus on simple glimpses of the landscape in which human presence can only be suggested by a house in the distance.

 

When it comes to defining skies, she has an intricate system of emotional selection. “I think skies and landscapes are the first point of connection,,” the artist said.

 

Her immense landscapes and infinite skies are charged with all the drama necessary to make the viewer lose and find himself again, who, in looking at her paintings senses the narrator’s confident guidance toward a condition of inner peace.

Jane’s process is the same quest for the sublime perpetrated by J.M.W. Turner (1775-1851), who together with Claude Monet (1840-1926,) represents for her a kind of spiritual guide.

 

Living and growing up in London and frequently visiting the wing dedicated to Turner at Tate Britain; traveling extensively, even to the point of losing herself in the gardens of Monet in Giverny, France, were just some of the factors that fueled in her the desire not to want to follow “deadlines to be respected” but rather emotions to be expressed.

Her way of making art follows the flow of her emotions, which she “fixes” on small preparatory sketches – sometimes 3 x 2 inches – made in plein air and in which she proceeds with blocking of shapes while maintaining four (sometimes two) tonal values.

 

Her multi-layered brushstrokes follow the cadenced rhythm of nature’s elements while texture, which she spreads with palette knives, lends three-dimensionality to the painting.

 

While devoted to plein air painting, the artist also often works in the studio where she refines or reworks the sketches made in plein air, sometimes simply finishing them, sometimes reproducing a magnified detail or frame of the scene, sometimes completely reworking the composition.